Diesen Film in der Hoffnung zu sehen, wenigstens ein paar neue Effekte erhaschen zu können, darf man sich getrost abschminken. Was hier geboten wird, hat man im wahrsten Sinne des Wortes wo anders schon einmal gesehen. Was bleibt, ist die Hülle einer Geschichte, für die sich Leute wie Eric Roberts oder Corbin Bernsen wohl nur hergegeben haben, weil sie den Gehaltsscheck schon wirklich dringend nötig haben.

Übrigens: Wynorski nannte den Film schlicht “Craptor”. Er hasste ihn, und er hasste Eric Roberts, der wiederum alles und jeden hasste, weil er diesen Schrottfilm machen musste.

Auf einer tropischen Insel lässt der größenwahnsinnige Wissenschaftler Jason Drake (David Carradine) mit Tieren experimentieren und züchtet überdimensionale Monster heran. Eines Tages brechen zwei seiner gefährlichsten Kreaturen, der Sauriergroße Dinocroc und sein Todfeind, der Supergator, aus dem Labor aus und terrorisieren die Insel. Mit einem riesigen Appetit auf braungebrannte Damen in knappen Bikinis fressen sich die Monster quer durch die Botanik. Niemand und nichts ist vor ihnen sicher. Doch dann stehen sich auf einmal die zwei Ungeheuer zum tödlichen Showdown gegenüber …

Man sieht schon, hier wird intellektuell ansprechende Unterhaltung für den Mann von Welt geboten. Dafür garantiert schon der inkognito arbeitende Jim Wynorski, der sich hinter einem seiner zahlreichen Pseudonyme versteckt. Der Film geht gleich in medias res: Die Monster brechen aus und fressen erstmal, was nicht scnell genug davon läuft. Was danach kommt, ist eine Pro-Forma-Handlung, die eigentlich nur dazu da ist, immer wieder die Möglichkeit zu bieten, dass eines der beiden Monster aus dem Wasser oder dem Dschungel bricht und Soldaten, Fotografen oder Bikini-Mädels frisst. Gerade letztere sind begnadete Schauspielerinnen. Kreischweiber, die sich mühen, möglichst langsam zu laufen. Fast hat man das Gefühl, sie versuchen willentlich, sich in Zeitlupe zu bewegen.

Die CGI-Effekte sind eher mager ausgefallen. Den Monstern fehlt Schwere und die CGI-Menschen, die verschlungen werden, sind fast bewegungslos. Produzent Corman erreicht hier zweifelsohne Asylum-Niveau, ja, unterschreitet dies teils sogar, denn im Gesamtpaket betrachtet, hat man bei Asylum einen deutlich höheren Lachhafter-Schrott-Faktor. Zur Mitte des Films gibt’s dann noch – für die unter uns, die unter Aufmerksamkeitsdefizit leiden – einen Rückblick auf den Anfang.

Einzig bekanntes Gesicht ist David Carradine, der aber nicht viel zu tun hat. Was funktioniert? Die Location ist hübsch, die Frauen sind es auch, und das Monster-Bashing am Ende hat gewissen Unterhaltungswert. Fazit: Trash-Tierhorror für Monsterfilmallesseher.

Die Ausgangssituation von DEATH RACE 2000 ist schräg, ebenso wie der ganze Film, der auch in Hinblick auf seine Figuren – den überlegenen Frankenstein oder etwa die wilde Blitzkrieg-Hunnin – weit abseits der Normalität agiert. David Carradine als Frankenstein ist cool, noch cooler ist jedoch der junge Sylvester Stallone, der als Machine Gun Joe Viterbo herrlich aus der Haut fahren darf. Ihrer beider Duell mit den gepimpten Killer-Boliden ist auch 35 Jahre später noch immer mitreißend – und der Biss der von Roger Corman produzierten Satire ist nicht minder fest.

FRANKENSTEINS TODESRENNEN – auch unter diesem Titel ist der Film bekannt – ist schneller und billiger Action-Kintopp voller aberwitziger Ideen, die man gesehen haben muss, um sie zu glauben. In Deutschland erlebte der Film seine erste Auswertung im Fahrwasser des ROCKY-Erfolgs, nach dem jeder Verleiher gern einen neuen Sylvester-Stallone-Film im Programm haben wollte. Im Dezember erscheint von dem Titel erstmals eine Blu-ray, die ausgiebiges Bonusmaterial – zwei Audiokommentare, Interviews und Featurettes – enthält.

Die Story: Nachdem ein Großteil der Erde durch einen Atomkrieg unbewohnbar ist, hat sich der Farmer Maddison mit seiner Tochter Louise in seinem Haus verschanzt. Wie durch ein Wunder ist das Tal, in dem die Maddisons leben, von der Radioaktivität verschont geblieben und nach und nach erreichen weitere Überlebende – darunter der Gangster Tony mit seiner Braut Ruby und der Geologe Rick – den Zufluchtsort. Doch schon bald kommt es zu Spannungen in der Gruppe, die das Zusammensein gefährden. Und als sei dies nicht genug, nähert sich über die Hügel eine schreckliche Mutantenkreatur, die eine schier unüberwindliche Bedrohung darstellt.

Roger Corman inszenierte DAY THE WORLD ENDED (DIE LETZTEN SIEBEN) im Jahre 1955 mit verhältnismäßig kleinem Budget – man spricht von 96.000 Dollar – innerhalb von neun Tagen. Auch diesem Umstand ist es geschuldet, dass sich ein großer Teil der Handlung in einem Haus abspielt und andere Sequenzen praktisch im Vorgarten gefilmt wurden. Das hilft dem Film jedoch, da es gelingt, eine klaustrophobische Stimmung aufzubauen, die dadurch verstärkt wird, dass relativ viele Menschen auf relativ wenig Raum zusammenleben. Was die Figurenkonstellation betrifft, so ergeht sich der Film natürlich in übelsten Klischees und bringt mit Tony einen Vorzeige-Verbrecher ins Spiel, der die Bedrohung von innen darstellt.

DAY THE WORLD ENDED ist natürlich ein B-Film. Dementsprechend sind ein paar der Figuren mehr als schablonenhaft, ebenso wie Sprünge in der Handlung – es dauert, bis jemand mal fragt, was mit Ruby geschehen ist – gegeben sind, aber sieht man davon ab, ergibt sich ein kleines, gar nicht mal dummes Kammerspiel, das den Atommutanten eigentlich gar nicht nötig gehabt hätte. Aber man brauchte ihn freilich, um das Publikum ins Kino zu locken. Zumindest in USA, denn hierzulande beschied man, das Monster nicht zu zeigen. Ob man die von Paul Blaisdell gestaltete Kreatur als zu schäbig erachtete?

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“Das Monster ist mein bester Freund”, sagte Karloff einmal. Und damit hatte er Recht. Ohne es wäre er nie zu der Ikone des Schreckens geworden, die er Zeit seines Lebens war. Er machte sich keine Illusionen. Dutzende andere Schauspieler hätten den Part auch überzeugend darbieten können, aber er hatte Glück und das nötige Talent, zu mehr als nur einer Eintagsfliege zu werden.

Noch zweimal spielte er das Monster, in BRIDE OF FRANKENSTEIN (FRANKENSTEINS BRAUT, 1935) und SON OF FRANKENSTEIN (FRANKENSTEINS SOHN, 1939). Zudem wirkte er in einer Reihe weiterer Universal-Produktionen wie THE BLACK CAT (1934), THE RAVEN (1935) , THE MUMMY (DIE MUMIE, 1932) und THE OLD DARK HOUSE(1932) mit. Karloff, der schon bald den Beinamen “The Uncanny” trug war auch für andere Firmen tätig. Er spielte Fu Manchu in THE MASK OF FU MANCHU (1932) und war der Detektiv MR. WONG in einer eigenen Filmreihe. Zur Mitte der 40er Jahre erhielt er deutlich weniger Angebote und mit ABBOTT AND COSTELLO MEET THE KILLER, BORIS KARLOFF (1949) endete die erste Stufe seiner Karriere.

In den 50er Jahren war er verstärkt für das Fernsehen aktiv. Er war Gastgeber der Serie THE VEIL und spielte auch in verschiedenen Folgen die Hauptrolle. Von 1960 bis 1962 war er der Gastgeber der Anthologie-Serie THRILLER. Und gleich darauf fungierte er in selber Funktion bei OUT OF THIS WORLD.

In den 60er Jahren wurde er auch wieder verstärkt für das Kino angefragt. Er arbeitete mehrmals für Roger Corman, so im Klassiker THE RAVEN (DER RABE, 1963) und setzte sich mit Peter Bogdanovichs TARGETS (TARGETS, 1968) gleich selbst ein Denkmal. Karloff starb am 2. Februar 1969 im englischen Sussex an den Folgen eines Emphysems.

Auf den Horrorstar festgelegt zu sein, machte ihm nichts aus: “Man hört oft, dass Schauspieler sich beschweren, auf einen bestimmten Typ festgelegt zu sein. Wenn man z.B. gutaussehend ist, ist man ein Leading Man. Ich hatte Glück. Wohingegen andere Millionen aufwenden, um ein Trademark zu erschaffen, wurde mir meines frei Haus geliefert. Wenn ein Schauspieler in der Position ist, sich selbst seine Rollen auszusuchen, hat er ein Problem, da er nie weiß, was er am Besten kann. Ich bin sicher, ich wäre ein hervorragender Lord Fauntleroy, aber wer würde zehn Cents bezahlen, um das zu sehen?”

Hammer kaufte die Rechte an der Comic-Figur Vampirella, einer der Erfolgsserien des Warren Verlages. Darin geht es um eine außerirdische Frau, die auf die Erde kommt und feststellt, dass unser Wasser für sie ungenießbar ist – unser Blut jedoch mundet exzellent. Das Drehbuch wurde von Christopher Wicking, John Starr und Lew Davidson geschrieben, die Hauptrolle sollte von dem Playboy-Playmate Barbara Leigh gespielt werden. Peter Cushing sollte den Zauberer Pendragon spielen. Ebenfalls für die Rolle in Betracht gezogen wurde Gene Kelley. Für die Regie hatte man John Hough auserkoren. Mehr als vier Jahre hatte man versucht, den Film zu realisieren, doch am Ende gab es Streitigkeiten um die Besitzrechte und Hammer schien einfach das Geld auszugehen. Das Projekt kam leider nicht zustande.

1996 gab es dann endlich VAMPIRELLA auf Zelluloid, allerdings günstig umgesetzt. Aufgrund ihrer offensichtlichen Vorzüge machte man sich keine Sorgen, eine gewisse – wohl vornehmlich männliche – Zuschauerschicht anzusprechen.

Auf dem Planeten Drakulon lebt die Vampirgemeinde in einem friedvollen Utopia, bis der von Roger Daltrey dargestellte Vlad sich auf das Töten besinnt und nach dem Mord an Vampirellas Stiefvater den Planeten verlässt und mit seinen wenigen Getreuen zur Erde reist. Natürlich kann Vampirella, der das ehemalige Bond-Girl Talisa Soto ihr schönes Gesicht leiht, den Schurken nicht ungestraft von dannen ziehen lassen. Sie selbst begibt sich zur Erde, kommt aber aufgrund technischer Schwierigkeiten erst 3.000 Jahre später an. Vlad hat sich inzwischen zum stärksten Vampir aufgeschwungen und führt Krieg gegen die Menschheit, die er ein für alle Mal vernichten will. Ihm entgegen stellen sich nur Adam van Helsing und seine Säuberungstruppen, die gegen den Vampirismus ins Feld ziehen.

Vorweg muss man sagen, dass VAMPIRELLA kein Film geworden ist, der Anhängern des Comics gefallen wird. Dafür gibt es einfach zu viele Ungereimtheiten und Unterschiede, die den Kennern von Forest J. Ackermans Schöpfung sofort auffallen werden. Schon allein Vampirellas neues Kostüm ist ein Sakrileg, da es einfach lächerlich aussieht (okay, Vampis Comic-Kostüm sieht auch lächerlich aus, zeigt dafür aber auch sehr viel mehr Fleisch…). Der Grund für dieses neue Kostüm ist vor allem in der Hauptdarstellerin zu suchen, die das Originalkostüm nicht auszufüllen vermochte, wodurch es bei den Dreharbeiten durchaus zu peinlichen Zwischenfällen hätte kommen können. Um dies bei der für das amerikanische Kabelfernsehen entstandenen Produktion von vornherein auszuschließen, entwarf man einfach ein neues Design.

Aus welchem Stoff VAMPIRELLA gemacht ist, zeigt auch das aus Schnellfilmer Jim Wynorski und B-König Roger Corman bestehende Duo, welches für die Verwirklichung dieses Abenteuers verantwortlich zeichnet. Wie es sich bei einer Wynorski/Corman-Produktion gehört, wird vor allem darauf Wert gelegt, möglichst billig einen Film fertig stellen zu können. Dies geht auf Kosten der praktisch nicht vorhandenen Effekte, deren spärlicher Einsatz aber schon so stümperhaft ist, dass man beinahe froh ist, nicht mehr davon sehen zu müssen.

Die Darsteller selbst haben auch relativ schnell erkannt, in was für einem Film sie eigentlich mitspielen, weswegen man als Zuschauer in den Genuss kommt zu sehen, wie Roger Daltrey hemmungslos übertreibt und Talisa Soto ihre Rolle so ernst nimmt, als wäre es Shakespeare. Nun könnte man natürlich von diesem Vampir-Film abraten, aber so einfach ist es nicht, denn VAMPIRELLA kann als Trash-Film wirklich überzeugen. Nicht nur verfügt der Film über eine Menge unfreiwilliger Humor, der sich nicht zuletzt in den klischeehaften Lack- und Lederklamotten seiner Protagonisten ausdrückt, sondern kann auch ansonsten mit einer Menge toller Lacher aufwarten. Erwähnt werden sollen hier nur die Kondom-Anzüge, die die Vampire vor dem Sonnenlicht schützen. Nicht minder cool ist aber auch die Sonnenstrahlkanone, die in etwa so futuristisch und glaubwürdig erscheint wie das Bügeleisen an Bord des deutschen Raumschiffs Orion.

So gesehen ist VAMPIRELLA ein Juwel des Trash-Films, das sich selbst ein bisschen zu ernst nimmt und dabei genau die richtige Portion Blödsinn präsentiert, um den Zuschauer für 80 spaßige Minuten in eine im wahrsten Sinne des Wortes kunterbunte Comic-Welt zu entführen. Nur auf eine richtige VAMPIRELLA-Verfilmung wartet man noch immer …

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Corman: “Ich hatte eigentlich gedacht, dass ich ihn nicht bekommen würde. Ich mache Low-Budget-Filme und hatte das Gefühl, dass die Academy einen solchen Preis niemandem gibt, der Low-Budget-Filme produziert. Ich war wirklich überrascht, als ich den Anruf erhielt.”

Für FRANKENSTEIN entschied man sich, weil damals, 1989, schon lange nichts mehr mit der Vorlage angestellt worden war. Corman selbst hatte den Roman FRANKENSTEIN UNBOUND von Brian Aldiss gelesen, der 1973 erschienen ist und die klassische Prometheus-Geschichte mit einem Zeitreiseelement kreuzt. Die Rechte hieran wurden erworben, wobei sich verschiedene Autoren am Skript versuchten (nachdem Corman aufgegeben hatte, es einen Praktikanten in seiner Firma schreiben zu lassen). Letztendlich wurde das fertige Skript vom Filmkritiker F.X. Feeney und Corman selbst geschrieben.

Die Story: Bei dem Versuch, eine neue Wunderwaffe zu erfinden, erzeugt der Wissenschaftler Dr. Buchanan im Jahre 2031 ein gigantisches Zeitloch, das ihn zurück ins finstere 19. Jahrhundert schleudert. Joseph Buchanan findet sich ausgerechnet an einem Ort wieder, an dem soeben ein gewisser Dr. Frankenstein ein grauenerregendes Experiment abgeschlossen hat. Und seine Kreatur fordert ein Weib – oder hört nicht auf zu morden…

Für Cormans Verhältnisse war das Budget gigantisch hoch. Und dennoch konnte er nicht aus seiner Haut. Er versuchte, so wenige Takes wie möglich zu drehen, weswegen ihn Mount immer wieder anhalten musste, nicht so sparsam zu sein. Denn in der Welt der großen Studios – der Film wurde in den USA von 20th Century Fox, im Rest der Welt von Warner vertrieben – war das Einsparen von Geld nicht zwangsweise etwas Positives. Es war verrucht und wirkte, als ob man ein minderwertiges Produkt bekommen würde.

Was Corman schon im Drehbuch strich, war eine Sexszene zwischen Mary Shelley und Buchanan. Einerseits behagte es Corman nicht, eine solche Szene zu drehen, andererseits lag dies wohl auch am enormen Altersunterschied zwischen Bridget Fonda und John Hurt. Auf jeden Fall lavierte Corman solange herum, bis diese Szene praktisch nicht mehr existierte.

Als FRANKENSTEIN UNBOUND 1990 auf den Markt kam, da waren die Kritiken durchwachsen. Die einen mochten den Film, die anderen fanden ihn zu mondän, als dass sie ihm ein Lob gegönnt hätten. An Cormans Ruf kratzte das nicht, da jene, die den Film nicht mochten, wohl der Meinung waren, Corman hätte im Alter einfach an Biss verloren. Die Wahrheit liegt irgendwo dazwischen. Als Adaption des Klassikers funktioniert der Film trotz SF-Touch ziemlich gut. Er sieht auch schön gefilmt aus, was nicht zuletzt an den feinen italienischen Drehorten rund um den Comer See liegen. Zudem ist das Monster hier sehr beredt – ein Umstand, den die meisten Adaptionen von Shelleys Buch außen vor lassen.

Keineswegs ist FRANKENSTEIN UNBOUND jedoch ein Meisterwerk und der Vergleich mit Cormans Poe-Filmen fällt einem nicht mal für eine Sekunde ein. Im Grunde ist man froh, dass Corman nur diesen einen Ausflug ins Regiefach wagte, nachdem er 1971 ausgestiegen ist. Die Zeit hatte sich verändert, Corman selbst aber wohl nicht so sehr. Und so wirkt der Film auf merkwürdige Art und Weise altmodisch, was dann jedoch durch drastische Effektszenen wie den Mord an Elisabeth konterkariert wird. So erscheint der Film in sich uneins, was nicht am SF-Horror-Gemisch, sondern am Widerspruch zwischen Regie der 60er Jahre und filmischem Anspruch der späten 80er Jahre liegt. Manchmal kann man einfach nicht nach Hause zurückkehren…